Exposition « Corps à corps » : quel discours scientifique ?
Du 6 septembre 2023 au 25 mars 2024, Julie Jones et Marin Karmitz nous présentent l’exposition « Corps à corps » au Centre Pompidou. Ou plutôt, devraient-on dire : « les quelques 500 photographies de l’exposition » Corps à corps » se présentent toutes seules ».
L’itinéraire proposé est le suivant : sept espaces thématiques ayant pour but de faire connaître le mélange des collections du Musée national d’art moderne et de Marin Karmitz, l’illustre fondateur des cinémas « MK2 ». Sept espaces qui tour à tour donnent à voir diverses manières de représenter les corps en photographie.
« Les premiers visages ». Ce sont les cadres resserrés, le récit « naturaliste » de Lewis Hine qui portraiture les enfants travailleurs, les orphelins et les « invalides » des Etats-Unis. D’autres laissent de côté les revendications sociales et se concentrent sur la pratique du portrait dans sa dimension la plus pure ; conserver le souvenir du vivant. C’est Jean Dréville qui capture Antonin Artaud en 1928.
« Automatisme ? » ou l’art du DIY, de l’économie de moyen ou de la photographie amateure. C’est le jeu. Celui de Michel Journiac qui mêle son sang à la feuille d’or pour créer un fond à ses photographies. Le cartel fait un parallèle avec les pratiques surréalistes. Le photomaton nous fait soudainement penser au célèbre « cadavre exquis ». Christian Boltanski s’en donne à cœur-joie en construisant une série d’autoportraits étranges et supposément « chronologiques ». L’artiste sectionne son visage sur chaque photo pour en faire des motifs interchangeables. Chaque portrait affiche un mélange troublant entre une photographie de Boltanski « jeune » et Boltanski « vieux ». Hans Eijkelboom détourne aussi l’appareil photographique afin d’incarner des versions « erronées » de sa personne. Pour cela, il contacte d’anciens camarades de classe en leur demandant d’imaginer le métier actuel de notre artiste. Tous répondent des choses différentes et Eijkelboom met en scène chacune des propositions.
« Fulgurances », l’intitulé est clair. Il est question de la spontanéité du photographe. Le parcours se détache peu à peu de l’objet photographique pour s’intéresser à l’intention du photographe en tant que personne qui « capture », qui fige son regard. C’est le terrain de jeu des photographies de rue de William Eugene Smith. « Fragments » pousse la question du regard encore plus loin, soulignant peut-être davantage le subjectif inhérent à l’œuvre du photographe. Annette Messager avec Mes Vœux (1989) propose un dispositif étonnant. Une œuvre qui est plus « installation » que « photographie », peut-être plus « sculpture » qu’ « installation ». Chaque ficelle du monstre photographique suspend une image d’une partie du corps humain. Des yeux, des bouches, des sexes…
« En soi » se détache de toute considération anatomique pour prétendre capturer l’émotion, du moins l’intériorité. Le regard s’effacerait pour laisser place à une forme d’humilité, celle du témoin. Lise Sarfati laisse sa caméra montée sur un trépied effectuer le travail. Dans le « Skid Row » à Los Angeles, des corps flottent dans un espace urbain abandonné.
« Intérieurs », peut-être la plus indirectement liée au thème du « corps à corps » est l’avant-dernière section de l’exposition. Avec comme base l’idée foucaldienne d’hétérotopie, c’est aux « lieux » de nous montrer ce qu’ils disent des corps. On observe les photographies de rue prises par Gilles Caron en plein mai 68. Sur d’autres pans de mur, Christer Stömholm nous parlent de Wanda, nue dans l’intimité de sa chambre de la Place Blanche.
Finalement « Spectre », la plus énigmatique devient prétexte à montrer tout l’indicible que suggère la pratique photographique. Ce sont les ombres de Susan Meiselas et The Blind Triptych (1979-2002) de Michal Heiman, longue œuvre performative qui lie les travaux d’autres photographes avec le sien : dénoncer les oppressions vécues par les femmes.
« Les quelques 500 photographies de l’exposition « Corps à corps » se présentent toutes seules »
En somme : un ensemble pléthorique d’œuvres, un itinéraire très richement documenté et une diversité indéniable dans la collection présentée. Il est sans doute crucial de rappeler que Marin Karmitz est un ancien « soixantehuitard ». Sans vouloir tomber dans la carricature, le « climat 68 » a forgé un goût pour la liberté et pour des sujets qui décloisonnent les savoirs académiques. C’est pourquoi la collection brasse à la fois les œuvres de Lewis Hine, Zanele Muholi ou Michel Journiac. La diversité dans les démarches photographiques, entre installations et mélanges des médiums est également à saluer.
L’ambition était de montrer les corps dans la photographie, sur ce point, on peut dire que c’est réussi. Toutefois, peut-on véritablement admettre la patte assumée d’un commissariat d’exposition ? Le but du Musée national d’art moderne, qui a vu une large acquisition photographique à la clé, n’était peut-être pas de pousser un discours scientifique à proprement parler. Les choix des sections thématiques, bien que clairement expliqués ont parfois tendance à être arbitraires. Certaines photographies correspondent par exemple à plusieurs catégories à la fois. Ainsi, la section « spectre » pouvait finalement absorber des œuvres comme celles de William Eugene Smith dans la série « Fragments », qui présente New York photographié depuis des vues périlleuses. Les sections « En soi » et « Fulgurances » sont également très similaires.
Néanmoins, force est de constater les quelques choix curieux et astucieux qui sont visibles dans le parcours. L’intérêt est parfois à chercher dans l’accrochage, qui propose des comparaisons entre œuvres. Deux photographies sont situées côte à côte sur un pan de mur. Helen Levitt avec 3rd Avenue, New York, vers 1942 et Brassaï avec Les Deux Voyous, Paris XIVè, 1932, dans la section fulgurance. Le rapprochement nous fait remarquer que, pour les deux photographies, il s’agit presque de la même époque de réalisation mais pas du tout le même sujet. Toutefois, le motif est similaire : se dissimuler derrière un mur. On peut aussi constater que ces deux photos sont prises dans deux grandes villes que sont New York et Paris, deux villes d’art très importantes. Autre comparaison : il s’agit pour l’une, d’une photo issue de la collection de Marin Karmitz et pour l’autre, de la collection du Musée national d’art moderne, ultime témoin du dialogue qui est tenté d’être effectué entre les deux collections.
Même si le commissariat d’exposition est critiquable pour sa discrétion tout au long de l’exposition, la richesse des œuvres parle d’elle-même. Les photographies se présentent seules et contribuent par leur simple présence à faire apprendre au public une histoire de la photographie.
Grégoire Suillaud